Karneval der Tiere

Der kleine Elefant Babar erlebt im Urwald eine unbeschwerte Kindheit, bis seine Mutter tödlich vom Schuss eines Jägers getroffen wird. Ganz auf sich allein gestellt flieht er und gelangt in eine Stadt. Dank einer alten Dame, die ihn bei sich aufnimmt, nimmt er am Leben der Menschen teil: Er besucht ein Kaufhaus, macht Gymnastik und fährt mit dem Auto. Dennoch wird er oft nostalgisch, wenn er an den Urwald zurückdenkt. Zwei Jahre später begegnen ihm bei einem Spaziergang zufällig Arthur und Celeste, sein Vetter und seine Cousine.

Ihnen zeigt Babar die Welt der Menschen. Als die beiden allerdings eines Tages von ihren Müttern abgeholt werden, beschließt er, mitzukommen, und nimmt schweren Herzens Abschied von der alten Dame. Zurück im Urwald werden die drei jubelnd empfangen. Babar und Celeste, die sich auf der Autofahrt verlobt haben, werden von den Elefanten als neues Königspaar auserkoren.

Ferdinand ist kein gewöhnlicher junger Stier. Während seine Altersgenossen den ganzen Tag auf der Wiese miteinander kämpfen, sitzt er lieber alleine unter einer Korkeiche und genießt den Duft der Blumen. Selbst als eines Tages spanische Männer vorbeikommen, um einen Stier für ihre Kämpfe zu finden, interessiert ihn das kaum. Doch es kommt anders als erwartet: Ferdinand setzt sich versehentlich auf eine Hummel, wird gestochen und tobt vor Schmerz rasend umher – und damit ist er es, den die Männer aussuchen und zum Stierkampf mitnehmen. In der Arena wird die Situation grotesk, als Ferdinand sein wahres Wesen zeigt, nur die Blumen in den Haaren der Spanierinnen riecht und den Matador völlig außer Acht lässt. So muss man ihn schließlich zurück nach Hause bringen.

Im Klassenzimmer herrscht Langeweile, und auch die Experimente des Schulmeisters wollen nicht so richtig fruchten.

Da wird kurzerhand einen Ausflug in den Zoo unternommen, bei dem die Schulkinder verschiedene Dinge erleben: Die einen machen wundersame Entdeckungen an einem Weiher, die anderen kostümieren sich als Vögel oder träumen sich in eine andere Welt. Der Schulmeister selbst bringt mit seinem Kontrabassspiel eine Elefantendame zum Tanzen und bekommt von ihr eine Blume – aber nicht alle Tiere genießen die musikalischen Darbietungen so sehr … Zurück im Klassenzimmer musizieren die Kinder zusammen mit einem Skelett aus dem Biologieunterricht. Nachdem alle gegangen sind, beginnt der Schulmeister, selbstvergessen zu tanzen. Am Ende kommen in einer Turnstunde alle zusammen und veranstalten ein großes Ballett.

Die Figur des kleinen Elefanten Babar ist die Erfindung Cécile de Brunhoffs, die ihren Söhnen zum Einschlafen kurze Geschichten erzählt. Ihr Mann Jean ist selten dabei, wegen Lungenproblemen hält er sich meistens zur Kur in der Schweiz auf. In der Ferne illustriert er die Abenteuer des kleinen Elefanten und schickt seine Bilder der Familie nach Paris. Was hier noch im engsten Familienkreis entsteht, wird später zum großen Verkaufserfolg: Durch seinen Bruder lässt sich Jean de Brunhoff zur Veröffentlichung überreden, und gleich nach Erscheinen des ersten Bandes 1931 wird Babar so beliebt, dass neben weiteren Bänden auch  bald musikalische und später filmische Adaptionen folgen. Auf der Theaterbühne ist der Stoff heutzutage eher selten zu sehen – ein Grund für die Inszenierung am Salzburger Marionettentheater.

Musikalische Basis für diese Inszenierung ist die berühmte Musik Francis Poulencs. Wie bereits Brunhoffs Geschichte selbst entsteht auch die Vertonung im engsten Familienkreis, als Poulenc 1940 von seiner Nichte das Babar-Bilderbuch aufs Klavier gestellt bekommt und beginnt, für sie über die Szenen zu improvisieren. Einige Jahre später fixiert er diese Melodien schriftlich und hinterlässt damit eine „wunderbare, kunstvolle Umgestaltung der Atmosphäre und der Geschichte in Tönen“, wie Regisseurin Lisa Stumpfögger findet. In ihrer Inszenierung hat der enge Bezug auf die musikalische Gestaltung großes Gewicht: „Da die Tiere nicht sprechen, sondern die Musik das eigentliche Erzählmoment ist, begreife ich es als meine Aufgabe, die Musik in Szene zu setzen wie eine Choreografin. Da die Puppen aber wenige Gelenke zum echten Tanzen haben, ist es die Gesamtanlage, dass ich einen großen Formrhythmus organisiere – dass die Musik durch die Abläufe der Szenen aufgefangen wird.“

Diese Szenen entfalten sich in Herbert Kapplmüllers Bühnenbild mit einem großen Leporello als Hauptelement, bemalt und bedruckt mit den wechselnden Schauplätzen der Handlung. Je nach Beleuchtung kann dieses Leporello transparent werden und den Blick auf die dahinterliegende Szenerie freigeben. In engem Zusammenhang mit dem Bühnenbild steht die Gestaltung der Kostüme, ebenfalls von Kapplmüller entworfen: „Sicher ist das Grün von Babars Kostüm aus Jean de Brunhoffs Bilderbuch übernommen, aber ich fand das interessant, weil ich gedacht habe, dass er in die Stadt auch die Farbe Grün von der Savanne mitnimmt: Wir haben Farbe nur in der Heimat der Elefanten, aber sobald Babar in die Stadt kommt, ist alles schwarzweiß.“ Für die Gestaltung der Elefantenhaut selbst sieht Kapplmüller eine besondere illusionistische Technik vor: „Die Elefanten sind rot grundiert und grün gehäkelt. Die verwendeten Farben sind opaleszierend, damit es nicht zu direkt, sondern fremd und fantasievoll wirkt.“

Ein kleiner Elefant, der nach dem Tod seiner Mutter auf sich allein gestellt ist, Zuflucht bei den Menschen findet und integriert wird, schließlich in seine Heimat zurückkehrt und gekrönt wird – Lisa Stumpfögger betont auch die psychologische Wirkkraft dieser Geschichte: „Es ist eine Gute-Nacht-Geschichte, wo ein Kind das erlebt, was in der frühen Kindheit wichtig ist: die Trennung von der Mutter, die Bewältigung von Heimweh, und dann das glückliche Ende. Das hat einen sehr schönen Bogen für die Kinderseele.“ Auch wenn sich das Stück in erster Linie an Kinder richtet, entfaltet es seine Wirkung genauso bei Erwachsenen, denn Stumpfögger ist sich sicher: „Die Erwachsenen verlieren ihre Kinderseele nie. In jedem von uns lebt das Kind weiter.“

1936, gleich nach Beginn des Spanischen Bürgerkriegs, erscheint die Geschichte um den jungen Stier Ferdinand, der lieber den Duft der Blumen genießt, als sich mit den anderen jungen Stieren zu balgen. Das Bilderbuch des US-amerikanischen Autors Munro Leaf mit Illustrationen von Robert Lawson wird daraufhin in die verschiedensten Richtungen interpretiert: Ist die Botschaft nun pazifistisch, kommunistisch oder faschistisch? Leaf selbst distanziert sich von allen politischen Deutungen. Der kleine Ferdinand, der seinem friedfertigen Gemüt selbst in der Stierkampfarena treu bleibt, sei für ihn einfach „ein höherer Geist, ein Philosoph, der guten Geschmack und Charakter beweist.“ Wie auch bei Brunhoffs Babar ließen bei Leafs Ferdinand die Adaptionen nicht lange auf sich warten. Bekanntestes Beispiel ist wohl der Disney-Kurzfilm aus dem Jahr 1938; und selbst im Marionettentheater des amerikanischen Federal Theatre Projects wird eine Inszenierung bereits 1937 gezeigt.

Für die Neuinszenierung am Salzburger Marionettentheater wurde auf die Vertonung des britischen Komponisten Alan Ridout (1971) zurückgegriffen, die gerade in ihrer minimalistischen Besetzung für Solo-Violine und Erzähler wirkungsvoll ist. Von den ersten Takten an verströmt die Violine im Paso-Doble-Rhythmus spanisches Flair, porträtiert später in einer wiederkehrenden Melodie Ferdinands friedvolle Heiterkeit, und reagiert immer direkt und nuanciert auf den erzählten Text.

Für Regisseur Philippe Brunner, selbst Künstlerischer Leiter des Marionettentheaters, war es ein besonderes Anliegen, für dieses „Intermezzo“ auch optisch einen Stil zu finden, der es von den beiden Rahmenstücken unterscheidet. Die Darstellung ist modern, abstrakt und mit nur einer Figur auf das Wesentliche reduziert: „Bei uns gibt es nur Ferdinand. Von allen anderen Figuren wird entweder nur erzählt, oder sie sind schematisch im Bühnenbild zu erkennen. Ich finde, um den Charakter so klar wie möglich zu erzählen, soll nichts von ihm ablenken. Aber es ist auch eine Herausforderung, weil man alles in den Bewegungen des Stiers erzählen muss. Ich wollte, dass man merkt: Der Stier ist vom Optischen her genauso martialisch wie die anderen Stiere, er hat aber einen weichen Kern, ein gutes Herz.“ Die Stierfigur, entworfen und gebaut von Ensemblemitglied Vladimir Fediakov, wird dem in brillanter Weise gerecht: „Die Figur ist so beweglich. Sie ist zwar massiv, aber trotzdem filigran, und dadurch bekommen wir den Charakter schön erzählt“, findet Brunner.

Als Bühnenbild zeigen vor schwarzem Hintergrund zwei leuchtende Stelen mit Illustrationen von Clemens Birsak einige Schauplätze und Charaktere der Handlung. Eine besondere Spannung entsteht durch die offene Spielweise mit sichtbaren Puppenspielern: „Bei den anderen zwei Produktionen sieht man die Puppenspieler nicht, und hier, als Kontrast, sieht man wirklich, wie filigran an dem Führungskreuz gearbeitet wird. Die Konzentration, die vom Puppenspieler in die Figur geht, hat eine ganz besondere Wirkung“, so Brunner.

Von der Relevanz und Aktualität des Stoffes ist Brunner überzeugt: „Ferdinand ist ein zartfühlender Charakter, er ist anders als die anderen. Ich glaube, dass dieses Stück ganz besonders in die heutige Zeit passt. Man muss nicht immer so sein wie alle anderen – dass Ferdinand dadurch seine Kraft gewinnt, und dass ihn die anderen auch dahingehend respektieren, das gefällt mir an der Geschichte besonders gut.“

Aus Camille Saint-Saëns’ umfangreichem Oeuvre ist vieles schnell in Vergessenheit geraten. Es ist vor allem ein Werk, das heute mit seinem Erfolg alles überschattet: Der Karneval der Tiere (1886). Dabei ist ausgerechnet diese „zoologische Fantasie“ für den französischen Komponisten selbst nur ein Gelegenheitswerk, in kurzer Zeit mal eben für das Faschingsfest eines befreundeten Cellisten komponiert. Die musikalischen Tierporträts hält er als ernster Komponist nicht für das Meisterstück seiner Arbeit und untersagt weitere Aufführungen zu seinen Lebzeiten. Doch der Humor in der Musik trägt bis heute wesentlich zur Beliebtheit bei. Saint-Saëns legt die Tierlaute von Huhn, Esel und Kuckuck in die Instrumentalstimmen und spart auch nicht mit parodistischen Anspielungen auf andere Werke des 19. Jahrhunderts: Beispielsweise wird in Schildkröten Offenbachs schneller Cancan aus Orpheus in der Unterwelt extrem gedehnt, für den Elefanten greift er auf Berlioz und Mendelssohn-Bartholdy zurück, und auch seinen eigenen Danse macabre zitiert Saint-Saëns augenzwinkernd in Fossilien.

Das Konzept, das Regisseur Matthias Bundschuh seiner Inszenierung zugrunde legt, überrascht durch eine völlig neue Herangehensweise: „Für mich bestand die Herausforderung darin, einmal abzuweichen von dem, was man vom Karneval der Tiere erwartet. Bei Aquarium einfach bunte Fische zu zeigen, hat mich nicht gereizt. Die Grundidee war, eine Geschichte über ein merkwürdiges Musikinternat um 1900 zu erzählen.“ In diesem Internat werden die Kinder zu Beginn von ihrem strengen Maestro unterrichtet, dessen Gesicht dem von Camille Saint-Saëns gleicht (Figuren: Barbara Weinhold). Als die Schulklasse zu einem Ausflug in den Zoo aufbricht, löst sich die Handlung in einzelne Parallelstränge auf, und man beobachtet den Maestro und die Kinder bei Begegnungen mit verschiedenen Tieren und anderen Gestalten. Der Bezug zu den programmatischen Satzbezeichnungen des Originals wird dabei teilweise hergestellt, teilweise aber auch bewusst übergangen oder ironisch aufgegriffen. Beispielsweise ist der Satz Pianisten – Saint-Saëns rechnet sie zu den Tiergattungen – im Original für zwei Klaviere und Streicher besetzt. „Ich habe gedacht, zwei Figuren ans Klavier zu setzen, ist ein bisschen langweilig; und hatte stattdessen die Idee, ich setze da diesen Knirps ans Klavier, ein Wunderkind, und lasse ihn einfach genial in die Tasten hauen, bis es qualmt und dieser Flügel zusammenbricht,“ so Bundschuh. Einen besonderen Höhepunkt der Inszenierung bildet die Choreografie zu Der Schwan – die einzige Nummer, die Saint-Saëns damals zugunsten der Ballerina Anna Pawlowa von seinem Aufführungsverbot ausnimmt …

Das Hauptelement des Bühnenbilds, ebenfalls von Matthias Bundschuh konzipiert, bleibt während der gesamten Aufführung sichtbar: ein großes, heruntergekommenes Glashaus. Durch den Wechsel der Rückprojektionen bleibt es in seiner Wirkung äußerst wandelbar, zeigt mal Innen-, mal Außenräume, wird Teil eines Schulgebäudes, eines Schwimmbads oder eines Theatersaals.

Mit seinem abwechslungsreichen Karneval richtet sich Bundschuh ausdrücklich an die ganze Familie: „Jeder, der Spaß an Marionettentheater hat – Kinder wie Erwachsene – soll sich das anschauen. Ich hoffe, dass sich Kinder dadurch, dass ich unter den Figuren auch Kinder habe, für das Bühnengeschehen interessieren können. Aber es sind durchaus auch Sachen für Erwachsene dabei – ich zumindest amüsiere mich bei meinen eigenen Proben durchaus.“